Las luces se apagan, la proyección de una película clásica en blanco y negro se enciende, un centenar de obreros se apiñan, hombro a hombro, mientras suben al ascensor de la fábrica. 

El escenario se llena de evocaciones brechtianas.

El cuerpo es protagonista y los episodios se enlazan en actos.

“Me matan si no trabajo, y si trabajo me matan. Siempre me matan”, retumban las palabras como ecos de Raimundo Gleizer.

“El espectáculo es el resultado del proceso de trabajo durante todo el año 2022 de los estudiantes, que son el elenco, de mi cátedra de Actuación 4 de la Universidad Nacional de Artes (UNA)”, cuenta el director Sergio Sabater.

-¿Cómo fue el proceso creativo?

-Nosotros nunca partimos de un texto teatral, sino de un universo temático y en base a ese universo vamos construyendo las distintas escenas. Acá el universo fue el mundo del trabajo y la fábrica como el símbolo del sistema de producción en la modernidad. Se definieron los roles de los distintos personajes, los obreros y las obreras, operarios u operarias industriales. Pero ellos no tenían la experiencia de haber estado en una fábrica y entonces apareció la propuesta de que trajeran testimonios de sus universos laborales reales, actuales. Así surgieron relatos que dan cuenta de cómo se fue transformando la lógica del trabajo, se precarizó y aparecieron nuevas formas de explotación vinculadas a la tecnología, a las redes, a los shoppings, al call center, entre tantos. 

-Esos testimonios muestran de manera visceral lo difícil que es vivir del arte, en particular del teatro.

-Claro, ellos dicen su nombre, su edad y manifiestan que a pesar de ser actrices o ser actores tienen que vivir de otra cosa, no pueden vivir del teatro. Y eso se anuda con todo el tema de la denuncia de las condiciones de trabajo.

-Aparece una clara evocación a Raymundo Gleizer

-Sí, vimos una película del colectivo Cine de Base que se llama, justamente, “Me matan si no trabajo y si trabajo me matan». Recrea la lucha de una fábrica metalúrgica en los años ‘70. Algunas imágenes que se proyectan son de esa película y también lo que cantan. Entre esos distintos hilos que se van tejiendo aparece la historia de Teresa Rodríguez. El espectáculo tiene una estructura episódica que empieza con un recuerdo personal, yo vivía en Parque Patricios a principios del año ‘60, en avenida Caseros había fábricas en todos lados y de chico escuchaba la sirena. Un día le pregunté a mi mamá “¿por qué suena la sirena?” Y mi vieja me dijo: “porque está cambiando el turno de las fábricas”. 

-Es muy potente el trabajo de los cuerpos en escena. 

-Trabajamos mucho con la lógica del entrenamiento físico. Hay un despliegue físico y vocal, las canciones, las danzas que se van cruzando en la trama. La estructura es muy brechtiana, son tres episodios en los que se expresa qué va pasando y cómo se enuncia cada uno de los tres turnos de la fábrica. 

-¿Cómo se construyó el texto que parece atravesado por la corporalidad? 

-El texto, en realidad, para nosotros, siempre llega al final. No es el punto de partida, sino al revés. Durante mucho tiempo los cuerpos interactúan sin texto, sin palabras, y hacia el final del año, en los últimos meses del año, yo comienzo a ponerle palabras a escenas que ya prácticamente tienen una estructura y tienen un diseño, sobre eso aterrizan las palabras. El texto es como una esfera verbal que se suma a la esfera corporal, sonora, objetal, ese pequeño fierrito que nosotros llamamos “la herramienta” se transforma y cobra distintos sentidos. La última esfera es la de las palabras. El cuerpo yendo a buscar la palabra. 

-Muy interesante la incorporación del lenguaje de señas ¿Cómo surgió esa idea?

-Dos estudiantes sabían el lenguaje de señas y nosotros trabajamos mucho internamente con una cosa a la que llamamos trueque. Quien tiene algún saber extra-teatral, más allá de la actuación, porque lo trabajó durante su vida, puede proponerlo, socializar con el grupo los principios de esa técnica. Siempre buscamos una utilización de las manos que no reproduzca la dinámica de la vida cotidiana. Ellas nos enseñaron el abecedario, a decir algunas frases cortas, por ejemplo: “me matan si no trabajo”.

-El contenido de la obra es necesario para esta época ¿Cómo llegaron a esa síntesis?

-La obra se construyó en 2022, había otro gobierno y sin embargo ya había ciertos signos en la dinámica de la realidad, esas preguntas, “¿cuánto cuesta el trigo?”, “¿cuánto cuesta el pan?”,  “¿cuánto está la leche?”, “la comida más barata que no alcanza la plata”, ya en 2022 se perfilaba la tragedia que estamos atravesando ahora. Algo de un orden bastante duro,  la primera vez que trabajadores en relación de dependencia, formales, en blanco no llegaban a fin de mes, eso era algo nuevo en Argentina.  Lamentablemente la obra cobra ahora mayor vigencia todavía porque la realidad se enrareció. En lugar de haber virado hacia una zona más humana, menos dura, fue al revés, es más cruel, más dramática y creo que también hay algo de lo emocional que nosotros recibimos mucho del público que tiene que ver con eso, con la actualidad que tiene la obra.  

-¿Cómo generaron el enlace entre las formas modernas de trabajo y las actuales?

-Fue en gran medida a partir de los testimonios que los actores y las actrices trajeron. Escribieron un pequeño texto sobre su realidad y la inmensa mayoría contó experiencias sobre sus trabajos precarios. Fue mucho el aporte de los actores que atravesaron la propuesta original, que era tomar un poco el espacio de la fábrica clásica como el espacio de ficción, desde donde hacernos preguntas sobre el trabajo como parte de la condición humana. El espectáculo abre preguntas, no sostiene una tesis. 

-Evocan a Raymundo Gleizer y ¿A qué otros artistas? 

-Hay elementos que tienen que ver con personajes de la historia del teatro. Por ejemplo, la pantalla, medio desnuda, colgando del techo, tiene que ver con Vsévolod Emílievich Meyerhold, fue un director de teatro ruso, discípulo de Konstantín Stanislavski que luego tomó un camino muy diferente, un genio del teatro del siglo XX que participó en la revolución bolchevique y en los primeros años creó un teatro proletario y desarrolló una técnica de entrenamiento del actor que se llama Biomecánica de la cual nosotros tomamos algunos ejercicios que se ven fugazmente. Berthold Brecht también está presente en la estructura episódica. Brecht con el teatro épico transformó la estructura dramática tradicional de principio, nudo y desenlace aristotélico en una estructura narrativa diferente donde la cosa transita por distintos episodios. Por ejemplo hay una obra muy conocida de Brecht que se llama “Terror y Miseria del Tercer Reich” que son todos pequeños episodios y esos episodios van armando una estructura. Para mí es muy importante también Tadeusz Kantor, por ejemplo con la incorporación del objeto, es un objeto pobre, casi un pequeño fragmento de caño pero que adquiere una condición poética en su manipulación, en su transformación que pasa de ser la herramienta a ser una metáfora del descanso y de la libertad. 

Podés ver A LA FÁBRICA! (O los trabajos y los días) TEATRO: Teatro Beckett, Guardia Vieja 3556. Funciones todos los  domingos de agosto y septiembre a las 21:30  DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: Sergio Sabater.

ACTÚAN: Juan Pablo Agatiello, Julieta Rocío Barletta, Bautista Barreiro, Camila Cahn; Camila Cahn ; Lara Castro; Noga; Agostina Coluccio; Francisco Cottet; Luz Belén Dieguez; Manuela Diez Ledesma; Carolina Ersinger; María Belén Fal; Milagros Ferrari; Katiuska Francis; Julián Fuertes; Carolina Galende Krumm; Daiana Gonzalez; Lucila Grossi; Tatiana Gurevich; Belén Iza; Macarena Laura; Julieta Mantarro; Ailu Maser; Mavi Massa; Sabrina Paz Masseri; Federico Mazzeo; Daniela Yessica Nuño; Camila Paulo; Ana Vergara.

DISEÑO DE LUCES: Leandra Rodríguez.
EDICIÓN DE VIDEO: Sol Altare; Carolina Ersinger. OPERACIÓN DE SONIDO: Sol Altare.
OPERACIÓN DE VIDEO: Sol Altare. ASESORAMIENTO AUDIOVISUAL: Violeta Sabater. ASISTENCIA DE DIRECCIÓN: Sol Altare. COLABORACIÓN ARTÍSTICA: Omar «Chino» Kuhn.